Técnicas de iluminación cinematográfica, la importancia de utilizar la luz adecuada

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Saber con exactitud si las técnicas de iluminación cinematográfica que estamos utilizando son las más apropiadas no siempre es sencillo. Puede que estés aún debutando en esto del cine y aún te falte rodaje. O quizá hayas decidido dar un giro a tu carrera y convertirte en director de fotografía. Sea por la razón que sea, ya sabes que la iluminación es un elemento esencial en cualquier documento visual. Y no es únicamente por su repercusión en la calidad de la imagen, sino por la atmósfera que crea y los matices de significado que le aporta al resultado final de la grabación. Porque el director no va a aceptar la misma luz para una idílica escena en la naturaleza que para una de suspense. Y ahí reside la importancia de saber utilizar las correctas técnicas de iluminación, para convertir los deseos del director en imágenes.

Por eso, en MHeventos, tu localización para rodajes en la Sierra de Madrid, te contamos un poco más sobre los distintos tipos de luz, su uso en la creación de imágenes y las técnicas de iluminación cinematográfica existentes. Para que consigas iluminar cada escena de manera magistral.

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Luz disponible

Tipos de iluminación según el origen de la luz

Ya hemos hablado en alguna ocasión de lo diferente que resulta el manejo de la luz si se trata de un rodaje en espacios abiertos, o si por el contrario estamos trabajando en un estudio de grabación.

Según su origen, podemos diferenciar varios tipos de luz. Por descontado, la primera distinción que nos viene a la cabeza es luz natural versus luz artificial. Para rodar con luz natural es necesario informarse sobre la meteorología y sobre todo, seguir una estricta agenda con las horas escogidas para trabajar. En espacios abiertos, es más complicado controlar la iluminación puesto que estamos supeditados al ángulo de luz que marca el sol. Por ello, es esencial seguir al pie de la letra la agenda marcada con las horas de rodaje. Por contraposición, la luz artificial nos permite controlar la iluminación a nuestro antojo. Aunque no siempre es fácil conseguir el efecto que se pretende conseguir. Citar igualmente, la luz motivada, que también es luz artificial pero su particularidad reside en que trata de imitar la luz natural.

Por otra parte, la luz práctica es claramente artificial. Sin embargo, no es la que se utiliza para iluminar la escena directamente, sino que pertenece al decorado. Hablamos de una lámpara, unas velas, etc. De todos modos, hay que tener esta luz muy en cuenta a la hora de estudiar la iluminación, pues aunque sea parte del atrezzo, influirá notablemente en el resultado.

Muy parecido al anterior es el concepto de luz disponible, que es la que está presente en el lugar en el que vamos a rodar. Normalmente, nos referimos aquí a espacios abiertos y hablamos tanto de la luz del sol como de la de la luna o la de los carteles publicitarios, luces de las casas, etc.

Por último, el concepto de luz de fondo (background light) puede ser luz práctica, porque hayamos colocado al fondo de la escena una lámpara. O luz disponible, si aprovechamos la luz de unas farolas como iluminación de fondo en nuestra escena. Pero la luz de fondo también puede haber sido creada a propósito por el director de fotografía. Por ejemplo, iluminando artificialmente una ventana para crear el efecto de la luz que entra por ella (ejemplo de luz motivada).

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Luz de relleno. Fuente imagen: https://topsheet.io/

Dirección e importancia de la luz

Según hacia dónde la dirijamos, podemos distinguir tres puntos de luz principales con respecto al sujeto que estamos iluminando.

La luz principal (keylight) es la que manda y la que se dirige al sujeto u objeto que estamos grabando. Ni que decir tiene que proyectar esta luz sobre algo hará que toda la atención del espectador se concentre en ese elemento.

La iluminación a contraluz o luz de contra (backlight) es una técnica de iluminación cinematográfica que coloca el foco tras el sujeto haciendo que se distinga claramente del fondo. Y creando también un gran contraste que acentúa las líneas. Se obtiene una luz dura ideal para escenas de suspense, por ejemplo.

La luz de relleno (fill light) se utiliza para suavizar esos contrastes que la iluminación produce según las circunstancias. Reduce las sombras y rellena esa oscuridad que no queremos que sea tan latente.

Para conseguir ese efecto relleno a veces basta con utilizar luz de rebote (bounce lighting), es decir, rebotar la luz con una simple sábana blanca, una de las técnicas de iluminación cinematográfica más habituales.

Temperatura de la luz

Si nos referimos a la temperatura de la luz, podremos hablar de luz suave y luz dura. Además del gran contraste entre luces y sombras, la luz dura ofrece escenas cortantes, con fuerza y que buscan destacar y separar al objeto o sujeto del resto de la imagen. La suave, por el contrario, dulcifica la escena y además embellece y borra posibles defectos. Una luz suave da más romanticismo, ternura, ingenuidad e incluso un ambiente onírico a la escena, mientras que la luz dura provoca un efecto más dramático, drástico, de suspense o incluso terrorífico. Existen diversos tipos de filtros de corrección de la temperatura y del color. Procura emplearlos durante el rodaje y ahorrarás trabajo y esfuerzo para el etalonaje de posproducción.

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Luz lateral. Fuente imagen: https://www.chamanexperience.com/

Algunas técnicas de iluminación cinematográficas

Las técnicas de iluminación cinematográfica se fundamentan en el arte de la fotografía. Su uso correcto marca la diferencia entre una escena sosa y descolorida y otra mucho más visual, tridimensional y en fin, de cine.

Así, si utilizamos la iluminación plana es porque tenemos precisamente esa intención: la de conseguir un efecto poco intenso, sin sombras y con un propósito más bien neutral. Este tipo de luz que enfoca directamente al sujeto se emplea más en anuncios publicitarios que en cine. Por contraposición a esta luz, encontramos la luz de contra o contraluz, de la que acabamos de hablar más arriba.

La iluminación lateral (chiaroscuro lighting o split) es, por otro lado, la que se consigue colocando el foco justo en un perfil del sujeto u objeto. De esta manera, uno de los perfiles queda en la sombra y el otro totalmente iluminado. El efecto es de un completo dramatismo, ideal para escenas serias, de suspense o repletas de carga dramática.

Por su parte, la iluminación butterfly o paramount es muy apropiada para embellecer los rostros y más aún si se usa una luz suave. El foco se coloca frontalmente y se eleva un ángulo de 45º. Esta técnica se denomina así por la sombra en forma de mariposa que se crea bajo la nariz del sujeto.

Otra técnica de iluminación cinematográfica, fotográfica y pictórica es la iluminación Rembrandt. Conocida así por el magistral uso de la luz que hacía el genio holandés. Rembrandt creaba un triángulo de luz en las mejillas de sus retratos. Algo que puede conseguirse poniendo un foco de luz lateral, ligeramente por encima de los ojos del sujeto.

Una mezcla entre la Rembrandt y la butterfly es la iluminación loop (o Rembrandt elevada). En esta técnica se mantiene la luz a unos 45º del sujeto, como en la butterfly, pero se sigue buscando el triángulo de Rembrandt en las mejillas. Al estar el foco de luz más alto, el triángulo es más alargado, afilado, drástico, lo que otorga a los rostros un efecto de dramatismo bastante acentuado.

Para finalizar, es preciso mencionar la posibilidad de mezclar dos o tres focos principales a la hora de iluminar nuestra escena. De este modo, podremos mezclar cada una de las técnicas y obtener efectos muy variopintos. La clamshell, la doble backlight, la luz llena y muchas más técnicas de iluminación que podrán ayudarte a crear esa sensación y ese ambiente que estás buscando para tu película.

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